UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

ARQUITECTURA, ARTES Y DISENO

ARQUITECTURA

Nombre: Nathaly Rosero.

Fecha: 20/09/2012.

Materia: Historia del Arte II.

Tema: Vinicio Batidas.

BIOGRAFIA:

Vinicio Bastidas nació en Quito en 1971. Se licenció en Pintura y Grabado en la Facultad de Arte de la Universidad Central de Quito en 1998. Ganó varias becas en el extranjero en 1994 y 1997, a México y Francia respectivamente. Entre los galardones obtenidos, el artista obtuvo en 1995 el primer permio de dibujo en el Salón Nacional de Dibujo y Pintura de la Fundación El Comercio, Quito.

Desde 1990 ha realizado varias exposiciones en varios países de Latinoamérica, como Ecuador, Perú, México; así como en Europa: Alemania, República Checa, España, Paris; y de Norteamérica. En la actualidad reside en Munich, Alemania; su taller se encuentra en la colonia de artistas “Platform 3“.

El quiteño Vinicio Bastidas estudió arte en Quito e hizo, en 1998, una licenciatura en pintura y grabado. En 1990 comenzó a exponer su obra en varios países, tanto en América Latina como en Europa, visitando galerías de España, Alemania, Perú, México y otros. En Ecuador ha ofrecido más de 20 exposiciones y sus obras han recibido reconocimientos.

ANÁLISIS CONTEXTUAL.

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     “La informalidad de nuestro tiempo, que es la globalización y las fuerzas de posmoderna nos en cierta medida, todos reconocemos como similares entre sí. Un "arte culto" a mano ampliando las culturas de masas agresivas que coexisten en el otro lado, en paralelo y al mismo tiempo temporal. Sin aislamiento, todos ellos participan en el desarrollo de mi trabajo, a la vez estimulante, así como los ingredientes híbridos, mixtos.

La intención de mis fotos, sin ánimo de ser redundantes, se encuentra en la neofiguración cumplir una vez más, sin la pretensión de querer algo específico, con sólo sugerencias, y las imágenes reflejan los elementos deshumanizantes de la vida urbana y cotidiana, que la gente alienada.

Con líneas expresivas y colores equilibrados el trabajo adquiere su propia vida, sin perder el equilibrio en la composición. Las cifras, que de alguna manera son móviles, y la dinámica entre sí, queremos ser una armonía entre el hombre, la ciudad y por escrito de nuevo y darle al público algo más humano y las interpretaciones individuales.”

Vinicio Bastidas.

ANÁLISIS COMPOSITIVO.

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       La muestra del artista quiteño, radicado en Alemania, está compuesta por varias obras que se enmarcan dentro de varias composiciones artísticas como: Piel ajena, No Body, El Banquete, El Ser Anónimo. El hilo conductor de esta exposición es el tiempo y la identidad, elementos conceptuales kantianos y abordados también desde la concepción de la Teoría de la Relatividad, situando al fenómeno del yo y su circunstancia: espacio-tiempo, individuo-situación (Cadevall, 2010) como determinantes del origen de la identidad del ser consigo mismo y con el mundo en tanto la identidad se ve afectada por los estímulos externos. Partiendo de esta idea, la obra de Vinicio Bastidas retrata la vulnerabilidad del ser humano en su medio ambiente y la pérdida de su propio origen, lo cual incide en la transformación de su identidad, la cual se configura y refleja en relación a su tiempo.

La reflexión que emana la obra continúa con la serie El Banquete, donde el contraste entre dos tiempos se plasma en 49 platos desechables colgados en la pared y distribuidos en el suelo, cada uno de ellos contiene dibujos de órganos, huesos y pedazos de carne del cuerpo humano de una manera vívida y perfecta, como si el observador estuviera observando un libro de anatomía antiguo, cuando una mirada racionalista buscaba dar sentido al mundo a través de anclajes sólidos. Sin embargo el contrate del dibujo en el plato conduce a pensar en lo efímero y desechable de la post-modernidad, donde se pierde de vista la importancia de la vida y la existencia.

El proceso de evolución y búsqueda es una característica en la trayectoria creadora. Se trata de una profunda experiencia interior que permite al artista mostrar una imagen propia, siendo ésta, a su vez, reflejo y manifestación de su tiempo. Para ello, el artista se sirve del lenguaje de los demás hasta que encuentra el propio; después se expresa en un dialecto del lenguaje general. En este proceso se transforma su propio idioma… (2), primando el suyo propio en relación al colectivo.

En sus desplazamientos, Vinicio Bastidas fue llevado de un lugar a otro y al mismo tiempo entró en contacto con otras necesidades culturales, aunque siempre le acompañó el recuerdo del origen. De este modo emerge el dilema del artista que debe elegir entre lo propio y lo ajeno. Para elaborar esta situación de fragilidad, Bastidas se adentra en su yo más profundo, propiciando el regreso y la redefinición de la/su identidad a partir de la memoria. La memoria siempre es un movimiento que ocurre desde el presente. En realidad la memoria está disparada -por llamarlo de alguna manera- por las necesidades, las preguntas, las urgencias del presente, como indica Derrida. El artista se ve en la necesidad de abandonar el desplazamiento lineal, que deviene en el desplazamiento circular. El regreso al punto de partida es, a su vez, punto final de una trayectoria e inicio de una nueva.

ANÁLISIS ICÓNICO.

“El hilo conductor de esta exposición, denominada ‘El ser anónimo’, es el tiempo y la identidad, elementos conceptuales kantianos y abordados también desde la concepción de la teoría de la relatividad, situando al fenómeno del yo y su circunstancia: espacio-tiempo, individuo-situación; como determinantes del origen de la identidad del ser consigo mismo y con el mundo, en tanto la identidad se ve afectada por estímulos externos”, explica.

Los trabajos de Bastidas reflejan la profunda experiencia interior que permite al artista mostrar una imagen de sí mismo que es un reflejo de su tiempo. Para este efecto, el artista traslada su obra a la época del Barroco, y la contrasta con la idiosincrasia de la época actual, a través de las imágenes de la serie ‘Piel ajena’, que contiene varias pinturas y dibujos.

‘El ser anónimo’ es una serie compuesta  por más de 50 obras, pero en Quito se presentará una pequeña parte de la misma, la cual da la pauta y conecta transversalmente la reflexión en torno a la construcción de la identidad y su pérdida en tanto el ser humano debe adaptarse a la rapidez de los cambios actuales.

La técnica del dibujo prima en la representación de partes del cuerpo humano transfiguradas a la luz y sombra de la situación social y cultural actual.

La reflexión que emana la obra continúa en la serie ‘El Banquete’, donde el contraste entre dos tiempos se plasma en 49 platos desechables colgados en la pared y distribuidos en el suelo. Cada uno contiene dibujos de órganos, huesos y pedazos de carne del cuerpo humano. “El contraste del dibujo en el plato conduce a pensar en lo efímero y desechable de la posmodernidad, donde se pierde de vista la importancia de la vida y la existencia”, indica su autor.

1.       Series el Baquete. (Dibujos platos de carton-18cm diámetro 2011).

2.       Composition in Herz II. (Series No Body- Dibujo 100cmx70cm).

3.       Flippin’ Out. (Series No Body- Dibujo 150cmx124cm). 

4.       God is dead.(Series No Body-Dibujo 150cmx124cm).

5.       Up to earth (Series No Body- Dibujo 150cmx124cm).

6.       Fragile Blance. (Series No Body-Dinujo 150cmx124cm).

JUICIO DE VALOR PERSONAL.

·         La exposición de Vinicio Bastidas en la Flacso  ,para mi ha sido una de mis favoritas, desde el momento en el que entre ya lo supe… Me gusto en primer lugar los colores uq caracterizaban a su obras especialmente las mas grades que eran con blanco y negro, después esa pequeño colección de platos con dibujos del cuerpo humano, perfectamente dibujados.

Para haber sido mi primera vez en un tipo de esta exposición me gustaría asistir  mas de este tipo especialmente si son trabajos de Vinicio como logra mostrar el mundo a través de sus dibujos es un verdadero arte.

Cuando estaba por el recorrido una de sus obras me hizo acuerdo a una de mis películas favoritas de terror, lo que hizo que me interesara mas por finalizar el recorrido y ver todo lo que había ahí. Algo que de igual manera me impacto, puede decirse, es que a la entrada de la exposición había un tipo de escultura que era en unos cajones, y dentro de estos había fotos y muchos dientes y muelas que eran reales.

UNIVERSIDAD TECNOLÓGICA EQUINOCCIAL

ARQUITECTURA, ARTES Y DISENO

ARQUITECTURA

Nombre: Nathaly Rosero.

Fecha: 20/09/2012.

Materia: Historia del Arte II.

Tema: Diego Rivera. (POPOL VUH).

BIOGRAFIA:

(Guanajuato, 1886 - ciudad de México, 1957) Pintor mexicano, considerado uno de los principales muralistas de su país. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en especial, España, Francia e Italia), donde se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo.

Diego Rivera y Frida Kahlo

Las obras de este período reflejan, por un lado, un acusado interés por el cubismo sintético (El guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina, y por otro, una gran admiración por los fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por Giotto), lo que motivó su alejamiento de la estética cubista anterior.

Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.

Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca, Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).

El porteador de flores, de Diego Rivera

Artista comprometido políticamente, Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de nuevo en México, se casó con la pintora Frida Kahlo, que había sido su modelo.

En la década de 1930 marchó a Estados Unidos, donde puso su arte al servicio de la exaltación del maquinismo; realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco, Detroit -decoración del Instituto de Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por sus contenidos socialistas.

De 1936 a 1940 Rivera se dedicó especialmente a la pintura de paisajes y retratos. Ensayista y polémico, publicó junto a André Breton un Manifeste pour l'Art Révolutionnaire (1938). Por otro lado, este gran pintor mexicano legó a su país una destacada colección de figuras indígenas que instaló en su casa museo, llamada el Anacahualli.

 ANÁLISIS CONTEXTUAL.

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   Las  obras de Diego Rivera son pinturas que representan el mundo Maya y testimonios de guerra.

Para 1920, la revolución armada en México había llegado a su fin quedada un pueblo profundamente lastimado que, sin embargo, asumía con optimismo la construcción de un mejor patria al tiempo que aprendía a mirara su pasado con admiración y respeto buscando afanosamente redefinir el concepto de lo mexicano.

Es en este contexto que la cultura y sus expresiones se encontraron virtuosamente en un nuevo diálogo que reivindico el tema indígena y popular con un lenguaje vibrante y de una profunda carga identitaria. De esta manera, el artem en todas sus manifestaciones, recreó los sonidos, las visiones el sentir mismo del mexicano en su incursión impetuosa al siglo XX.

Las artes plásticas definieron sus nuevos caminos; nos ser;ain mas un ente de élite. El arte en su nueva visión debía ser plural, incluyente, de todos. Es asi como surge de manera contundente el muralismo, un arte monumental que ensalzó al pueblo y sus luchas, sus ideales, su historia y sus sueños; es aso como surge un movimiento que retrazo como nunca el rostro de la nación mexicana.

El innato talento de Diego Rivera, el precoz inicio de su formaion plástica a la par de su incursión y acercamiento a las vanguardias europeas potenciaron su crecimiento como artista, dotándolo de un lenguaje propio profundamente comprometido con su pensamiento y sus ideales. De esta manera, y en el pincel diestrode Rivera – guanajuatense , mexicano, y sin duda, uno de los artistas cintemporáneos mas universakes-, el temas indigenista se exalta en composiciones de una extraordinaria belleza convirtiéndolo en motivo sobrado de legítimo de orgullo.

ANÁLISIS COMPOSITIVO.

La composición forma parte de un sistema visual que está en relación con la cultura a la que pertenece. Por eso, aunque existen elementos en la percepción comunes a todo el mundo, también ésta se modifica según particularidades culturales. Ejemplo de esto son las culturas mesoamericanas, en donde el espacio tiene un significado simbólico y la composición obedece a un sistema cosmogónico propio. En las manifestaciones artísticas de las culturas mesoamericanas, los elementos que constituyen la imagen adquieren un significado adicional según su ubicación en el espacio

bidimensional.

Diego Rivera formulo una singular visión sobre lo mexicano. Redescubrió la belleza de las antiguas culturas indígenas en el esplendor de sus vestigios y conoció el pasado Maya que le dejo una profunda huella que asimilo su valioso conteniso tradicional. Aprecio las danzas y las artes regionales, las costumbres autóctonas, las artesanías y el variado paisaje de México. Contemplo a las mujeres con atavíos tradicionales, aspectos todos que le sirvieron como fuente para su actividad plástica.

El amor de diego Rivera por su patria le motivo a conocer y estudiar la historia dual de México y su plural cultura. Es entonces cuando confirió gran importancia al sentido estético de los antiguos códoces indegenas, cuyas formas nutren además su estilo. De este modo, el pintor conjugo dos conceptos fundamentales: el primero, estético y el segundo, histórico-político.

Estas obras creados por Rivera cuentan el origen del mundo de los hombres, estas acuarelas proponen las reminiscencias de los códices tanto prehispánicos como poshispánicos, sustento formal para las narraciones que creo y que le sirvieron como fundamento estético.

En las acuarelas de las creaciones del universo, del hombre y de los montes o en la efigies de las deidades predominan las preproducciones de los códices anteriores a la llegada de los españoles. En cambio, la peculiar manera indígena de interpretar la figura humana o animal a partir de los modelos del arte occidental-la estampa, la pintura, el dibujo que trajeron consigo los conquistadores-, se reconoce en “Hunahpú recupera su brazo” o en “La adoración de los dioses por los hombres”.

 ANÁLISIS ICÓNICO.

Algunos arqueólogos se han esforzado en encontrar las narraciones del Popol Vuh en los jeroglíficos mayas del período prehispánico; otros aseguran que fue escrito en lengua maya con caracteres latinos con base en la tradición oral en el siglo XVI o XVII. El texto de Ximénez procede ciertamente de la época colonial.

Estudiosos como René Acuña han puesto en duda que el contenido reflejado en el Popol Vuh sea realmente maya, pues señala: «el Popol Vuh es un libro diseñado y ejecutado con conceptos occidentales. Su unidad de composición es tal que da pie para postular un solo recolector de las narraciones. Y no parece que éste haya sido un autodidacta espontáneo nativo, que se puso a redactar las memorias de su nación».6 Se debe tener en cuenta que el libro fue utilizado para evangelizar a los indígenas en su momento.

Para apoyar esta teoría se basa en ciertos errores de transcripción que comete Ximénez al trasladar el texto, lo cual revela su desconocimiento de la lengua k’iche’. Señala categóricamente Acuña: «si la fidelidad con que Ximénez copió y tradujo el texto quiché fuera el criterio para establecer la autenticidad del Popol Vuh, habría, de inmediato, que declararlo falso. [...] Enumerar a detalle todos los desfiguros que Ximénez introdujo podría justificar un trabajo de páginas cuyo número no se puede cuantificar. [...] Ante la imposibilidad de efectuar aquí un examen pormenorizado de las traducciones que hizo Ximénez del Popol Vuh, tendré que limitarme a decir que son desiguales y muy infieles, y que el fraile omitió traducir un elevado porcentaje del texto. Mi apreciación se basa en el minucioso análisis comparativo que he realizado de las primeras 1180 líneas del Popol Vuh con las dos versiones españolas de fray Francisco. Pero mi intención no está dirigida a desacreditar la competencia lingüística de este religioso, sino a hacer manifiesto que, con el escaso conocimiento de la lengua quiché que poseía, resulta natural que haya desfigurado la obra al copiarla».7 Al poner en duda la capacidad de Ximénez de manejar la lengua mayense se abre el interrogante ¿Qué tan seguros podemos estar de que el Popol Wuj es un texto original maya, si sólo tenemos actualmente la versión de Ximénez?

Es posible plantear cuestionamientos acerca de la existencia de un libro original de procedencia prehispánica.8 O bien que fue escrito apoyados en la tradición oral. Su muy cercana analogía con el Génesis de la biblia hace pensar que su escritura estuvo dirigida por los frailes. Así mismo, la aparición de las genealogías que se extienden hasta la época colonial hacen imposible que el original que copió Ximénez pertenezca al período prehispánico.

1.        El diluvio y la destrucción de los hombres de palo. (Diego Rivera-1931, Acuarela sobre papel.)

“En la seguida fueron aniquilados, destruidos y deshechos los muñecos de palo y recibieron la muerte. Una inundación fue producida por el corazón el cielo. Un gran diluvio se formo, que cayo sobre las cabezas de los muñecos de palo.”

2.       Hunahpu Recupera su brazo. (Diego Rivera-1931, Acuarela sobre papel.)

“Luego recupero su brazo Hunahpu (…) y habiendo recuperado su brazo, volvieron a ponerlo en su lugar y quedo bien otra vez.”

3.       El asombro de la viejo ante el maíz recolectado. (Diego Rivera-1931, Acuarela sobre papel.)

“Llego entonces la vieja y luego vio el maíz que había en la gran red, exclamo: -¿De donde has traido todo ese maíz? ¿Por qué ventura acabaste con nuestra milpa y la has traido todo por aca?”

4.       Las mansiones de Xibalba. (Diego Rivera- 1931, Acuarela sobre papel.)

“E aquí se describen las mansiones de Xibalba que son: las casa obscura, la casa de las Navajas, la casa de Frío, las casa de los tigres, la casa del fuego y la casas de los murciélagos.

5.       El Sacrificio y el auto sacrificio humano ante el dios Tohil. (Diego Rivera- 1931, Acuarela sobre papel.)

“Allá sometieron y subyugaron a las tribus grandes y pequeñas, cuando las sacrificaron ante Thiyle ofrendaron su sangre, la sustancia, el pecho y el costado de todos los hombres. (…)-  Dejad hecha vuestra acción de gracias, disputen lo necesario para sangran las orejas picaos los codos, haced vuestros sacrificios, este será vuestro agradecimiento ante dios- Está bien, dijeron y se sacaron la sangre de las orejas.

6.       Los dioses crean el mundo, crean los valles y las montañas. (Diego Rivera-1931, Acuarela sobre papel.)

“Los dioses crean el mundo, crean los valles y las montañas. Los dioses crean a los animales, pero ya que no los alaban los condenan a comerse unos a otros.”

JUICIO DE VALOR PERSONAL.

·         Claramente Diego Rivera sabe trabajar con acurela, sus trabajos son muy bien hechos, todas sus obras pertenecientes al cuento del Popol Vuh están llenas de color y explican de una manera hermosa escenas de la historia.

La serie de acuarelas realizadas en 1931 por el maestro Diego Rivera ilustra el llamado “libro sagrado de los
mayas ”. La obra de Rivera sintetiza de manera generosa la cosmogonía y el espíritu indígena.

Según algunos otros artistas la obras de Diego Rivera que pertenecen al cuanto de Popol Vuh son un tipo de poesía para los niñ@s.

Dentro de la gran cantidad de obras de Diego Rivera destaca sin duda la serie de Popol Vuh, sin duda una de las mas importantes desarrolladas bajo el tema del mundo indígena. La belleza y calidad de las acuarelas conmueven por su poderosa inmersion en el sentido mismo del mito donde el Maestro concede presencia a la estilizada gráfica Maya sin menoscabo de su propio estilo, logrando un esplendido diálogo entre el lenguale Riverianao y la mágica interpretación del mundo k’inche’.

Es algo misterioso sobre la creacion del mundo y el ser humano por que dice que fue hecho por los dioses mitologicos pero que a fin de hacer la creacion casi perfecta se gloraficaron entre ellos pero solo era un dios en la realidad. Aunque tambien se dice que hiciero el hombre de barro, de palo, a fin del maíz.