Filippo Brunelleschi
LA
BASÍLICA DE SANTA MARÍA DEL FIORE
Esta es una de las
obras maestras del arte gótico y
del primer Renacimiento italiano en esta obra fue
símbolo de la riqueza y del poder de la
capital toscana durante
los siglos XIII y siglo XIV. (famosa por su gran cúpula).
La grandiosa cúpula de Brunelleschi es
una estructura de 100 metros de altura interior, 114,5 metros de altura
exterior, 45,5 metros de diámetro exterior y 41 metros de luz con la
particularidad de que esta cúpula anula los empujes horizontales para no
transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las
verticales correspondientes a su propio peso.
A la cúpula hay que añadir el campanario independiente
del Giotto de 82 m de altura y el baptisterio de San
Juan. El conjunto
formado por la iglesia, el campanario y el Baptisterio de
San Juan en el centro
de la ciudad constituye una de las joyas artísticas y arquitectónicas de
Florencia.
La catedral es uno de los edificios más grandes de la
cristiandad su nombre que se traduce
como “Santa María de la Flor” se refiere al lirio que es el símbolo de
Florencia, o al antiguo nombre del pueblo llamado Fiorenza y un documento se
afirma que la “flor” se refiere a Cristo.
HOSPITAL DE LOS INOCENTES
El hospital de los inocentes fue conocido antes como un
orfanato de niños de Florencia
diseñado por Filippo Brunelleschi quien en 1419 recibio el encargo para que realizara
esta obra. Este hospital esta considerado como un notable ejemplo de la
arquitectura del primer renacimiento italiano. El hospital con una galería
frente a la Plaza della Santissima Annunziata
en cual fue construido y dirigido por el "Arte della Seta" o
Gremio de la Seda de Florencia.
En el extremo izquierdo del pórtico está la ruota o un torno de piedra para meter
al niño en el edificio sin que se viera al padre lo por lo que se asi se
realizaba eficiente su trabajo esto permitía a la gente abandonar a sus hijos
anónimamente para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió
funcionando hasta el cierre del hospital en 1875 hoy en dia el edificio aloja un
pequeño museo de arte renacentista.
Este gripo de personas era uno de los más ricos de la
ciudad y como la mayor parte de las cofradías asumía obligaciones filantrópicas
lo cual era su obligación de cada uno de ellos.
CAPILLA PAZZI
Este es una capilla donde se coloca el altar ornamentado con pilastras
adosadas con acanaladuras y bóvedas de
cañón con casetones.
Este edificio es de pequeñas dimensiones y con un pórtico
cubierto por una bóveda de
planta circular que mediante el uso de pechinas crea una bóveda de paraguas que
se construyó como recinto funerario de los Pazzi; este señor emplea la medida
de la proporción áurea en el diseño de su planta y fachada.
En esta Capilla
se accede desde el claustro de la basílica de la Santa Croce (Florencia) ya
que se encuentra ubicada en el jardín ya que esta fue encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi por lo que esta fue su última obra.
Este tiene una planta rectangular con cúpula central y un
pórtico ya que su fachada es un pórtico de cinco tramos entre seis columnas de orden compuesto;
tiene cuatro extremos adintelados y en la parte central de forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de
doble anchura que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre este pórtico se alza
un ático decorado con pilastras corintias y
seccionado por el gran arco del centro la cual se corona en una cornisa muy ornamentada
este adintelado griego con un arco central de origen romano serviría para
suavizar la luz. En la parte de arriba sobresale la cúpula con su linterna y en
el pórtico en el que combina la disposición adintelada con el arco central supone
una innovación que ha de ser modelo o fuente de inspiración para numerosos
arquitectos.
RAFEL ALBERTI
EL
HOMBRE DESHABITADO
El
tema se basa en la creación, tentación y caída del hombre e incapacidad de la
divinidad y el hombre para entenderse. Desarrolla la parábola de la creación
del hombre y de su abandono como ángel caído por parte de un dios maligno. La
técnica dramática es la alegórico-simbólica propia de los autos sacramentales.
La obra tiene una relación temática con Sobre los ángeles, de la que es
contemporánea.
La
obra está estructurada en torno a tres situaciones: la felicidad del Hombre y
la Mujer, imagen de inocencia y armonía de los sentidos, la lucha del Hombre y
su vencimiento; y, finalmente, el asesinato de la Mujer por el Hombre, su
entrega a la Tentación y su muerte. El Vigilante nocturno juzga al Hombre y lo
condena por su crimen. Antes de desaparecer por la misma boca del
alcantarillado por donde surgió para ser feliz, acusa a su creador de haberlo
creado para hacerle perecer. El hombre es víctima de un dios criminal que se
complace en dar la vida a su criatura para perderla luego.
La
escena primera es la creación del hombre, al que hace Alberti salir de una
alcantarilla rodeada de materiales de construcción; es el nacimiento como paso
del hombre masa al hombre individuo. El Vigilante nocturno invita al hombre
deshabitado a requerir su alma, despertándole los cinco sentidos, para que el
alma pueda asomarse al mundo. Convocados los cinco sentidos, el alma sale de un
tonel para servir al hombre y hacerlo feliz. Creada luego la mujer, el
Vigilante les envía a disfrutar del mundo, no sin antes advertirles que los
sentidos pueden perderles.
Esta
obra significó en el 1931 un paso adelante en la abertura del teatro español
hacia nuevos horizontes dramáticos en el sentido de Unamuno, Valle-Inclán y
Lorca. Era un ejemplo más de la lucha del nuevo teatro contra el teatro
naturalista comercial burgués de la época. La obra está llena de belleza y
simbolismo de raíz lírica. El final es el revés del auto sacramental clásico.
FERMÍN GALÁN
Esta obra es un intento de Alberti de hacer teatro popular.
Es un mosaico de escenas sin gran unidad dramática. No es
una obra muy conseguida por estar mal estructurada. El recurso al romance de
ciego resultó ineficaz, fue un error haber elegido el romance de ciego como
técnica dramática para este tema. Además era difícil dramatizar por aquel
entonces un episodio aún muy cercano a la vivencia del público, que no aceptó
al dramaturgo como intermediario de algo que todos habían vivido personalmente.
Los mejores episodios de la obra son los satíricos.
La obra está directamente relacionada con el triunfo e
implantación en España de la Segunda República (1931-1936). El drama está
estructurado al modo de los cantares de ciego tradicionales, es un romance de
ciego en diez episodios.
Cada episodio presenta un momento de la vida del héroe
Fermín galán, que el año anterior se había sublevado en Jaca con el Capitán García,
siendo los dos condenados a muerte.
LA
DAMA DUENDE
La dama duende es una película
argentina
de 1945,
dirigida por Luis Saslavsky, con guion del poeta español
Rafael
Alberti. Está protagonizada por Delia Garcés
y Enrique Álvarez Diosdado. Fue estrenada en
Buenos Aires
el 17 de mayo de 1945.
Ganó cinco Premios Cóndor de Plata en 1946, entre ellos el de
mejor película.
Una pequeña sinopsis:
Doña Ángela quiere
conquistar a Don Manuel, burlando la vigilancia que sobre ella ejercen sus dos
hermanos varones. Para ello, trazará un ingenioso engaño que le permita comunicarse
con Don Manuel de manera aparentemente misteriosa e inexplicable, apareciendo
como un duende o fantasma.
DONATO BRAMANTE
BASÍLICA DE SAN PEDRO
El desarrollo de esta obra
arquitectónica tuvo lugar en el Quattrocento y el Quinquecento. Pero se logra
observar que se abandona la tendencia quattrocentista y se detenga en la
plasticidad de la masa, la ordenación del espacio y el contraste de volúmenes.
Los muros exteriores de la basílica
se componen por superficies planas separadas por pilastras, se presentan
esculturas de santos de gran tamaño y sobre estas se encuentran las grandes
ventanas que iluminan el interior del templo
En las fachadas laterales se
incluyeron dos relojes y en uno de los cuerpos laterales se coloco la campana.
Bramante logro destacar en esta
obra la ilusión de perspectiva que se convierte en una realidad. El diseño de
la basílica tiene la forma de la tradicional planta basilical de lacruz latina
con cuerpo longitudinal de tres naves. En las fachadas podemos observar órdenes
gigantes de columnas y balconadas. Encima de la fachada se encuentra la
representación de los 11 apóstoles a excepción de judas, y en el centro,
Cristo.
La fachada principal se articula
atreves de la utilización de columnas de orden gigante que marcan la entrada,
esta precedida por dos estatuas de San Pedro y San Pablo. En la parte superior
se sitúa el ático en la que se abren ocho ventanas decoradas con pilastras.
SANTA MARÍA DELLE
GRAZIE
Bramante contribuyo en esta
iglesia con el tiburio (cúpula de base poligonal con techo en forma de
pirámide, siendo parte el estilo gótico pero con influencias románicas y tiene
una altura ligeramente excesiva la cual a sido parte de muchas criticas.
También existe un fresco,
realizado por Bramante, que conduce a la sacristía.
Posee un sentido de elegancia y
monumentalidad, estructura clásica y ordenada y el empleo de la planta centralizada.
Para la construcción de esta
iglesia, Bramante un trompe l’oeil que procurara la ilusión óptica de
perspectiva, empleo un ritmo geométrico pero en clave gigante, consiguiendo un
espacio unitario y regular.
SAN PIETRO IN MONTORIO
Se considera esta obra como el
manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de
líneas y decoración. El templete fue realizado en granito y mármol con acabados
de estuco y revoco.
Este templo fue levantado para
conmemorar el lugar donde San Pedro habría sufrido martirio.
El muro de la cella tiene un muro
exterior decorado con nichos de remate semicircular que se alternan con vanos
adintelados, separados por pilares.
La edificación es de planta
circular, dispone de una columnata cubierta por una cúpula semiesférica. Por su
forma circular se puede decir que demuestra una clara referencia a la cultura
griega.
Esta decoración parte de la
disposición de tres puertas y el altar, situados en los extremos de dos dejes
de la planta circular que se cruzan perpendicularmente. Las columnas son
cilíndricas y justo debajo del altar se encuentra la cripta.
Esta obra fue prácticamente
construida para ser admirada y no para utilizarlo, ya que su construcción es pequeña
pero, sin embargo refleja monumentalidad por sus materiales y su simbología
donde la cúpula de la iglesia triunfante a modo de tres escalones, representa
las tres virtudes teologales.
ANDREA PALLADIO
VILLA
CAPRA
Inspirada en el
Panteón de Roma. Esta residencia, más tarde conocida como "La
Rotonda" pasaría a ser uno de los más célebres legados al mundo de la
arquitectura.
También es
conocida como Villa la Rotonda, Villa Almerico-Capra o Villa Capra-Valmarana)
es un palacio campestre de planta central y construida a partir del año 1566 en
las afueras de la ciudad de Vicenza en Italia
Las esculturas en su interior son obra de Lorenzo
Rubini y Giambattista Albanese, la decoración plástica y los cielorrasos son de
Agostino Rubini, Ottavio Ridolfi, Ruggero Bascapè, Doménico Fontana y
posiblemente de Alessandro Vittoria, los frescos pertenecen a Anselmo Canera,
Bernardino India, Alessandro Maganza, y más tarde al francés Ludovico Dorigny.
La decoración de la villa llevó mucho tiempo, y en algunos casos no se conoce a
los artistas y artesanos que trabajaron.
Consiste de un
edificio cuadrado, completamente simétrico e inscripto en un círculo perfecto. Sin
embargo, describir la villa como "Rotonda" (redonda) es técnicamente
incorrecto, ya que la planta del edificio no es circular, sino que puede ser
definida como la superposición de un cuadrado y una cruz. Decorado con
esculturas que representan divinidades griegas clásicas. Cada uno de los cuatro
ingresos principales, luego de atravesar un corto pasillo o corredor, conduce a
la sala central, cubierta por una cúpula. El proyecto refleja los ideales
humanísticos de la arquitectura del Renacimiento.
LA
IGLESIA DEL REDENTOR
Su nombre
completo es Chiesa del Santissimo
Redentore, Iglesia del Santísimo Redentor) es un importante
edificio religioso proyectado por Andrea Palladio en el siglo XVI y situado en
la isla de la Giudecca, en Venecia.
La fachada de mármol blanco es uno de los más impresionantes
ejemplos de inspiración neoclásica que tanta fama dieron a Palladio: cuatro
tímpanos triangulares y uno rectangular se cruzan entre sí, en una
contraposición de superficies lisas, de lesenas y de montantes con estatuas,
ostentando estabilidad y rigor clásico.
El edificio tiene planta rectangular, con un simple cuanto espléndido
transepto constituido de tres ábsides que comunican con la gran cúpula central.
De la intersección de éstos parten dos sutiles campanarios cilíndricos, con
techo en forma de cono, similares a minaretes.
El interior se compone de una nave única, con imponentes y
decoradas capillas laterales. Gran importancia tiene la luz, como en todas las
obras palladianas, verdadera protagonista del interior, que valoriza volúmenes
y decoración.
Se trata de un edificio de carácter público prototípico de las ciudades del norte de Italia en el que se aglutinaban en una sola construcción las principales administraciones civiles de la urbe. El edificio fue originalmente construido en el siglo XV y era el Palazzo della Ragione de la ciudad, la sede del gobierno ciudadano y de los tribunales.
Cuando parte del mismo se vino abajo en el siglo XVI, un consejo de cien personas entre las que se encontraban numerosos arquitectos designó a Andrea Palladio para la reconstrucción del mismo en 1549. Palladio añadió un nuevo armazón exterior de mármol, una logia y un pórtico que ahora oscurecen el original diseño gótico de la basílica.
Palladio dedicó el resto de su vida, entre otros proyectos, a la finalización de la basílica la cual no se dio por concluida hasta 1614, treinta y cuatro años después de la muerte del aquitecto.
MASSACCIO
El tríptico de San Juvenal
era una obra desconocida de Masaccio, no mencionada por su biógrafo, que fue
descubierta en 1961. La pintura se compone de tres tablas: la central
representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos ángeles; en los paneles
laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la
izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en
el de la derecha. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la
perspectiva: las líneas de
fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central,
representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño.
CAPILLA
BRANCACCI
En 1424, Masaccio y Masolino comenzaron la decoración
de la Capilla Brancacci, en el transepto de la iglesia de Santa María del
Carmine.
Los dos pintores trabajaron de forma perfectamente
coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la capilla, y dieron una
gran unidad a la composición, gracias al empleo de una misma gama cromática, y
de un único punto de vista (el de un espectador situado en el centro de la
capilla). Los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales a lo largo de
las dos paredes de la capilla (originalmente había también pinturas en los
lunetos y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino).
Se sigue el esquema característico de la pintura
florentina al fresco, consistente en ordenar las composiciones como si fuesen
cuadros colocados en el muro, y, para destacar esta idea, cada escena está
enmarcada por pilares clásicos y capiteles corintios pintados.
El tema principal de los frescos es la historia de la
vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay
también algunas referencias al Génesis, concretamente a la historia de Adán y
Eva. El programa iconográfico se ha interpretado en relación con la
personalidad del comitente: Felice Brancacci había sido uno de los primeros
cónsules del mar de Florencia en 1421, y entre 1422 y 1423 fue embajador en El
Cairo.
LA TRINIDAD
Entre 1426 y 1428 Masaccio realizó el fresco de la Trinidad en uno
de los muros laterales de la iglesia florentina de Santa Maria Novella. En este
mural se hace uso por primera vez de la teoría de la perspectiva. La pintura
representa el dogma de la Trinidad, en en el marco de una capilla inspirada en
los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en
casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras
que sostienen un entablamento. En el centro se encuentra Cristo crucificado,
sostenido por Dios Padre —única figura que escapa a las leyes de la
perspectiva, en tanto que ser incomensurable—; bajo la cruz se encuentran la
Virgen María y San Juan Evangelista. Más abajo están los dos comitentes,
identificados recientemente como Berto di Bartolomeo del Banderaio y su esposa
Sandra, quienes asisten arrodillados a la escena sacra. Por debajo de ellos, y
funcionando como base de la composición, hay un altar de mármol bajo el cual se
ve un esqueleto yacente al que acompaña la inscripción: «Ya fui antes lo que
vosotros sois; y lo que soy ahora lo seréis vosotros mañana»
La pintura puede leerse en sentido vertical ascendente, como la
ascensión hacia la salvación eterna, desde el esqueleto (símbolo de la muerte)
hasta la Vida eterna (Dios Padre), pasando por la oración (los donantes), la
intercesión de los santos (San Juan y la Virgen), y la redención (Cristo
crucificado). El uso que hace Masaccio de la perspectiva hace que la
composición sea un auténtico trompe l'oeil o trampantojo que hace parecer que
el muro está efectivamente perforado.
PAOLO UCCELLO
LA BATALLA DE SAN ROMANO
Tambien conocida como
La rota de san, es un tríptico, obra del
pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado con temple al huevo sobre tabla.
Se considera que el tríptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y continúa siendo objeto de considerable debate. Los críticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho después de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hipótesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia.
Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Recientes investigaciones apuntan que el ciclo de pinturas no fue, como se creyó durante mucho tiempo, un encargo de Cosme de Médicis, sino de Lionardo Bartolini Salimbeni, que tuvo un papel destacado en la apertura de hostilidades con Siena.
Se considera que el tríptico fue ejecutado entre 1456 y 1460. No obstante, la fecha es incierta y continúa siendo objeto de considerable debate. Los críticos tienden actualmente a entender que fue encargada y ejecutada no mucho después de la muerte de Micheletto da Cotignola en 1435, una hipótesis que parece confirmada por el estilo, cercano al del Monumento a John Hawkwood pintado por Uccello hacia 1436, en la Catedral de Florencia.
Se representa, en cada una de las tres tablas, tres momentos distintos de la batalla entablada el 1 de junio de 1432 en San Romano, cerca de Lucca, entre los florentinos, que resultaron al final victoriosos, guiados por Nicolás de Tolentino y los sieneses, liderados por Bernardino da Cotignola.
Recientes investigaciones apuntan que el ciclo de pinturas no fue, como se creyó durante mucho tiempo, un encargo de Cosme de Médicis, sino de Lionardo Bartolini Salimbeni, que tuvo un papel destacado en la apertura de hostilidades con Siena.
SAN JORGE Y EL DRAGÓN
Es una obra del
pintor italiano Paolo Uccello. Está realizado en temple sobre madera, y fue
pintado entre 1456 y 1460. Mide 52 cm de alto y 90 cm de ancho. Se exhibe
actualmente en el Museo Jacquemart-André de París.
Existe una versión anterior que se guarda hoy en la National Gallery de Londres. En esta obra, como en otras suyas, Paolo Uccello crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.
Existe una versión anterior que se guarda hoy en la National Gallery de Londres. En esta obra, como en otras suyas, Paolo Uccello crea una atmósfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar a obras del surrealismo.
MONUMENTO FUNERARIO A SIR JOHN HAWKWOOD
El Monumento
Funerario (o Monumento Ecuestre) a Sir John Hawkwood
es un fresco
de Paolo Uccello,
en conmemoración al condotiero inglés John Hawkwood,
encargado en 1436 por la Basílica de Santa María del Fiore de Florencia.
La importancia del fresco reside en que es un importante ejemplo del arte
conmemorativo al soldado mercenario en la Península italiana y es un trabajo
seminal en el desarrollo de la perspectiva
en el arte.
El fresco suele
ser citado como una forma de "propaganda
florentina" por la apropiación de soldados extranjeros como héroes
florentinos. Esto implicó la promesa de los otros condotiero
a conseguir un potencial premio por servir a Florencia.
El fresco también ha sido interpretado como un producto de competición interna
política entre los Albizzi y los Médici,
familias del Renacimiento florentino.
El fresco es
el trabajo más antiguo que se puede adjudicar a Uccello,
desde el conocimiento relativo de su carrera comparando los períodos previos a
esta creación y a los posteriores. El fresco fue restaurado (una vez por Lorenzo de Credi, quién
añadió el marco).
FRA ANGELICO
ANUNCIACIÓN
Pintada en temple
sobre tabla entre 1430 y 1435 para la iglesia del convento de Santo Domingo de
Fiesole -Italia, actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid. Una pintura que muestra su preocupación por
plasmar la arquitectura renacentista Se trata de una obra realizada alrededor
del año 1430, es decir, en un momento de transición entre la pintura gótica y
el renacimiento.
De la época
medieval quedan rasgos como la minuciosidad propia de la miniatura, como puede
verse en la flora delante de Adán y Eva, en las detalladas alas del ángel o en
su halo dorado. La luz y el color son ya renacentistas, así como la austeridad
de la arquitectura, el perfeccionismo
del estilo, incluso la ausencia de un profundo sentimiento religioso, que sí
puede apreciarse en las obras autógrafas de Fra Angelico, deberían reabrir el
debate.
Remitida al Museo
como donación real el 16 de junio de 1862, desde ese momento se ha constituido
en una de sus piezas más relevantes y conocidas.
Si el autor no
fuera Fra Angelico, debería ser alguien más capaz que Strozzi, que hubiera
querido "perfeccionar y corregir la obra del maestro" (German Bazin).
LA NATIVIDAD
Es uno de los menos representados por Fra
Angelico de la historia sagrada. La escena del Armario de la plata guarda
cierta relación con el fresco del mismo tema figurado en la celda 5 del
convento dominico de San Marcos de Florencia, que pudo servir de referente
compositivo.
Pero la
realización final de ambas obras corresponde a ayudantes del fraile pintor, que
dio el modelo. El pesebre se presenta frontal al espectador, muy bien
construido en su estructura. El centro compositivo, sobre el suelo, es la
figura del Niño Jesús, al que Fra Angelico confiere un aura luminosa de fuerte
intensidad. María y José, arrodillados, adoran al Hijo de Dios. Destaca en sus
figuras el tratamiento de los pliegues, que dan volumetría y corporeidad.
No es muy
frecuente encontrar elementos superficiales en las composiciones del beato
Angélico. Pero eso determina, precisamente, la autoría de la obra, que pudiera
ser de la mano de Benozzo Gozzoli, el discípulo más importante de Fra Angelico.
Al igual que el
colorido, muy contrastado en los ropajes de San José, entre el vivo amarillo y
el negro de su gorra. Al fondo, sobre la estructura de madera del pesebre, otro
foco luminoso, en donde figura la estrella de Belén rodeada de ángeles. Destaca
también el tratamiento detallista de algunos elementos, como la anecdótica
figura de la vaca, las formas de la vegetación, o la presencia casi oculta de
los pastores, a la izquierda del establo.
EL JUICIO UNIVERSAL.
El Juicio
Universal no sigue ni la típica forma de trípticos de la tradición tardogótica
ni se compone como un retablo renacentista al uso. Hacia 1431, Ambrogio
Traversari fue elegido abad de los camaldulenses de Florencia. Fue posiblemente
entonces cuando encargó esta tabla a Fra Angélico, para la iglesia de Santa
María de los Ángeles, que servía como respaldo de un banco donde se sentaban
los obispos. De ahí su inusual trazado. El artista representó el tema del
Juicio Final, en el que destacan el fuerte efectismo perspectívico y las
diferentes expresiones con que figura las estancias de los bienaventurados, a
la izquierda, y los condenados, en la parte derecha. La composición se
estructura a partir de la fuerte línea de fuga que señala un camino excavado de
tumbas abiertas, con el sarcófago de Cristo en el primer plano y en sección
horizontal. A la derecha del mismo, se sitúa el grupo de condenados, en una
composición de enorme dinamismo y actitudes expresivas de dolor, confusión y
miedo. La zona de la izquierda es mucho más tranquila y sosegada; algunos
bienaventurados se abrazan y otros miran hacia el ámbito celeste con actitudes
de reverencia, dando gracias a Dios Padre, estableciendo de esta forma relación
con el grupo de arriba. Aquí se sitúa el Altísimo, en la intemporalidad de su
posición, ricamente ornamentado en su mandorla mística de oropel y luz, que
circundan ángeles músicos y cantores. Del grupo que centra la composición,
situados en semicírculo sobre nubes que se adaptan a la estructura de la tabla,
dos alas de santos sentados que acompañan el veredicto divino. En los recuadros
de los extremos de la zona terrena, el destino de los hombres: mientras los
bienaventurados, en composición circular, vagan tranquilos en medio de un
jardín de flores de minucioso detallismo, las escenas de dolor y lucha se
apoderan de los presentados en las cavernas del infierno, a la derecha. La
parte de la izquierda, representación del Paraíso prometido, es de colores
armoniosos, luz aterciopelada y de delicada suavidad; por el contrario,
representadas en muy primer plano, las imágenes de la parte derecha se componen
con oscura luz y personajes amalgamados, reflejo de su sufrimiento. Abajo, el
Demonio, que devora a algunos hombres, ilustra el destino de los condenados.
SANDRO
BOTICELLI
VIRGEN CON EL ÑINO Y ANGEL
La Virgen con el Niño y ángel es una obra del pintor renacentista
Italiano Sandro Botticelli. Está realizado al temple sobre tabla. Mide 87 cm de
alto y 60 cem de ancho. Data de 1465-67 y se conserva en el Spedale degli
Innocenti de Florencia (Italia), orfanato de la ciudad, abierto en 1444, obra
de Brunelleschi.
Es posible que esta pintura un tanto sorprendente de la Virgen se
produjera mientras Botticelli estaba aún trabajando en el taller de su maestro,
Filippo Lippi. La inspiración inicial para la pintura vino de la famosa Madonna
de este último en los Uffizi. Botticelli reemplazó el paisaje con una
arquitectura arqueada que enmarca las cabezas de madre e hijo y enfatiza las
dos figuras principales como el centro de la escena devocional. María se sienta
en un escabel, del que se muestra un brazo ornamentado y un almohadón con
botones.
En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.
No debe confundirse con otro cuadro de la misma época aproximadamente, que se titula igualmente Virgen con el Niño y ángel, un temple sobre tabla de 110 x 70 centímetros y que se conserva en el Museo Fesch de Ajaccio, en el que María está de pie.
LA VIRGEN DE LA GALERIA
Esta Virgen con Niño, conocida como Virgen de la galería (en italiano, Madonna della loggia) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 72 centímetros de alto y 50 cm. de ancho. Pertenece al año 1467. Actualmente, se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia).
Este cuadro no está unánimemente reconocido como obra de Botticelli
debido a algunos detalles, como el tono broncíneo impropio de Botticelli
o la deformidad de la composición. Se aprecian igualmente numerosos
retoques. No obstante, algunos críticos lo identifican como una de sus
primeras obras, debido sobre todo a la definición de los paños y de la
luz, más cercanos al estilo de Verrocchio que a Lippi.
Parece uno de sus experimentos iniciales sobre la forma de enmarcar la Virgen con Niño en un fondo de arquitectura clásica.
En esta Madona, como en las demás de la larga serie que pintó
Botticelli, puede verse un modelo de Virgen seria, meditabunda,
abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad. Las
Madonas de Botticelli reflejan una relación más intelectual que
afectuosa entre Madre e Hijo, a diferencia de lo que ocurre con las
Vírgenes pintadas por Rafael Sanzio, que suelen mirar a su hijo y colaborar en sus juegos con una cierta sonrisa.
COMUNIÓN Y ASUNCIÓN DE LA MAGDALENA
La Comunión y asunción de la Magdalena (en italiano, Comunione e assunzione della Maddalena) es una obra del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli. Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 18 centímetros de alto y 42 cm. de ancho. Pertenece al año 1470. Actualmente, se conserva en el Philadelphia Museum of Art, colección Johnson, de Filadelfia.
El tema de esta obra proviene de las leyendas medievales sobre la
vida de los santos. No obstante, el episodio concreto de la Comunión y
Asunción parece mezclar la iconografía de María Magdalena con la de María Egipciaca, modelo de contrición y arrepentimiento.
No se sabe muy bien a qué retablo perteneció esta pieza. Algunos creen que formaba parte del llamado Retablo de las Convertidas, identificado por algunos autores como el Retrato de San Ambrosio de la Galería de los Uffizi. Otros piensan que esta pieza se relacionaría con la Santísima Trinidad.
ANDREA MANTEGNA
TRANSITO DE LA VIRGEN
Al fondo de la tabla se ve un paisaje con un lago representando los lagos que había en la zona de Mantua, sobre ellos se tiende un puente llamado de San Giorgio donde de esta manera la escena parece transcurrir en el Palacio Ducal de Mantua y no en Jerusalén.
LA VIRGEN Y EL ÑINO CON MAGDALENA Y JUAN BAUTISTA
Este es cuadros destacados del pintor italiano Andrea Mantegna que se conservan en la National Gallery de Londres en Reino Unido este está realizado en témpera sobre tela en donde mide 139 cm de alto y 116 cm de ancho este cuadro fue pintado entre 1490 y 1505 ya que no se sabe para qué iglesia se realizó este retablo que está documentada su presencia por vez primera en Milán en donde fue adquirido por la National Gallery en 1855.
EL SAN SEBASTIAN DE VIENA
El tema de este cuadro se refiere al Libro de la Revelación un jinete está presente en las nubes en la parte superior izquierda como en esta se especifica en la obra de san Juan la nube es blanca y el jinete tiene una guadaña que él estaba usando para cortar la nube. El jinete ha sido interpretado como Saturno el dios grecorroman: en los tiempos antiguos, Saturno fue identificado con el Tiempo que pasaba y dejaba todo destrozado.
En lugar
de la figura clásica de Sebastián atado a un poste en el Campo Marzio de Roma
el pintor retrató al santo contra un arco que sea un arco de triunfo o bien la puerta de una
ciudad. En 1457 el pintor fue llevado a juicio por por haber puesto sólo ocho apóstoles en su
fresco de la Asunción él aplicó los principios del clasicismo de
Alberti en los cuadros siguientes incluyendo este pequeño San Sebastián, aunque deformada por
la perspectiva nostálgica propia de él.
LEONARDO DA VINCI
LA GIOCONDA
El cuadro La Gioconda (La Joconde
en francés), también conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de
Leonardo Da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del
siglo XVI, desde entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se
exhibe en el Museo del Louvre de París.
Es un óleo sobre tabla de álamo
de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el
autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy
característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos
perceptible por el oscurecimiento de los barnices.
Además, se han usado herramientas
tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. La fama de
esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino
también en los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las
reproducciones realizadas, las múltiples obras de arte que se han inspirado en
el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el
cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.
EL HOMBRE DE VITRUVIO
El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo
acompañado de notas anatómicas de Leonardo da
Vinci realizado alrededor del año 1490 en uno de sus
diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones
sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado (Ad quadratum). Se trata de un estudio de las
proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de
arquitectura de Vitruvio,
arquitecto
de la antigua Roma,
del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas.
El redescubrimiento de las proporciones
matemáticas
del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como
uno de los grandes logros del Renacimiento.
El dibujo también es a menudo considerado como un
símbolo
de la simetría
básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo
en su conjunto.
Examinando el dibujo puede notarse que la
combinación de las posiciones de los brazos y piernas crea realmente dieciséis
(16) posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos
se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición
superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo
sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos
posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el
ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.
LA VIRGEN, EL NIÑO JESÚS Y
SANTA ANA
La composición presenta a María y
Ana (madre de María), con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda.2
María se inclina hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras este juega,
de manera bastante brusca, con un cordero, símbolo de su propio sacrificio.2
Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran parecido entre madre e
hija.2
La escena se desarrolla en un
paisaje atemporal,2 rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas, que delata
el interés del autor por la geología. Los picos montañosos parecen evaporarse
en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.
Las pinceladas son ligeras, en el
típico sfumato leonardesco, mediante una técnica de veladuras sucesivas que
crean un efecto evanescente. La defectuosa conservación ha aplanado el color en
los mantos de la Virgen y de santa Ana, y ha hecho desaparecer una poza que
ocupaba todo el primer plano y en el que se hundían los pies de Santa Ana.
La representación de este grupo
de figuras proviene del culto a Santa Ana, nacido en la Edad Media. Además del
simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro Novellara, un vicegeneral
de la orden carmelita vio un significado simbólico más profundo en esta
pintura. Creía que la serena expresión de Santa Ana, que contrasta con la
ansiedad de María hacia el Niño, «quizá representa a la Iglesia, que no desea
evitar la Pasión de Cristo».
LA BATALLA DE CACINA
La batalla de Cascina es un fresco
diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo
Vecchio de Florencia. No llegó a pintarlo
e hizo sólo el cartón (modelo) previo, que
fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano
da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio
Raimondi.
En 1503, la Señoría de Florencia ideó una gran decoración
para la Sala del Consejo (actualmente sala del Cinquencento) del Palazzo Vecchio. La república había sucedido al reinado de Lorenzo el Magnífico
y a la tiranía de Savonarola. Por lo tanto, para competir con el patrocinio de los Médici, y glorificar la grandeza y el poder de Florencia, encargó
a Leonardo da Vinci un fresco celebrando La batalla de Anghiari y la victoria sobre los milaneses, y otro a Miguel Ángel, de La batalla de
Cascina y la victoria sobre los pisanos.
Miguel Ángel acababa de triunfar con su estatua de David (actualmente en la Galería de la Academia de Florencia). Instaló su taller en el Hospital dei Tintori de San'Onofrio. Se sabe que el 3 de octubre
de 1504, los cartones ya se habían visionado. Trabajó hasta su partida a Roma en 1505 y acabándolos en su retorno a Florencia en 1506. En
mayo de 1506 Leonardo da Vinci dejó Florencia para irse a Milán, abandonando,
sin acabar, La batalla de Anghiari.
Al mismo tiempo, Miguel Ángel también abandonó La batalla de Cascina, y se marchó a Bolonia, donde trabajó durante dos años en la estatua del papa Julio II, que había de ponerse en la fachada de San Petronio. La
estatua resultaría destruida en 1511 por la población de Bolonia.
MADONNA DE MANCHESTER
La Madonna de Manchester
es una pintura sobre madera realizada hacia el año 1497 por el
artista del renacimiento
italiano Miguel Ángel
y que se encuentra en la National Gallery de Londres.
Están representados en la escena pictórica la Virgen con el
Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, una
pareja de ángeles se encuentran solo esbozados ya que la pintura quedó
inacabada.
Toma su nombre por la ciudad de Mánchester donde fue expuesta por primera vez. Atribuida a Miguel Ángel
y datada al principio de su actividad pictórica, los dos niños parecen mostrar
la derivación posterior de los putti de la bóveda de la Capilla Sixtina y las figuras de la Virgen y la del Niño Jesús se parecen a
las efectuadas por Miguel Ángel en mármol, en la también posterior Madonna de Brujas. El
roto del vestido de María que deja al descubierto un seno, se atribuye al
antiguo tema de la «Virgen de la leche».
BÓVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA
Se conoce como la bóveda de la Capilla Sixtina al
conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano
(Roma).
Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas
de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II para sustituir la pintura que había en aquel momento a base
de un fondo azul con estrellas doradas, que había sido realizada por Piero
Matteo d'Amelia, según la tradición de los templos paleocristianos.
En la bóveda de cañón
rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de
entrada de la capilla en más de 500m2 de espacio. Desde 1508 hasta
el otoño de 1512 Miguel Ángel trabajó solo en su realización, sin ayudantes. El
1 de noviembre
de 1512 se
celebró la primera misa en la capilla, después de acabada la pintura de la
bóveda.
RAFAEL ZANCIO
LA ESCUELA DE ATENAS
Debido a que estaría ubicada sobre la sección de filosofía del papa Julio II, La escuela de Atenas muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Esta arquitectura recuerda el proyecto de la basílica de San Pedro elaborado por Bramante. Platón y Aristóteles, que durante toda la Edad Media estuvieron considerados como los principales representantes de la filosofía antigua, se encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Platón está sosteniendo el Timeo. Aristóteles sostiene una copia de su Ética a Nicómaco. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo mientras que Aristóteles la tierra.
En otros personajes se ha identificado a distintos filósofos de la Antigüedad, puestos sobre dos niveles, separados de una escalinata. A la izquierda puede reconocerse la figura de perfil de Sócrates.
A la izquierda, se encuentra un gran bloque de piedra cuyo significado puede estar conectado con la Primera epístola de Pedro; simboliza a Cristo, la "piedra angular". El hombre ubicado sobre el bloque es Heráclito, con los rasgos de Miguel Ángel. Este personaje no estaba en el esbozo o cartón de este fresco, que se conserva en la Biblioteca Ambrosiana de Milán. Se retrata en esta figura a Miguel Ángel, como se ve en el rostro, que es el del pintor florentino ligeramente mejorado, además de en las características stivali que calza: eran unas botas de montar que el pintor florentino no solía quitarse; está escribiendo uno de sus sonetos.
LA EXPUSIÓN DE HELIODORO DEL TEMPLO
Esta pintura se encuentra en la parte derecha de la sala y
es el fresco que da nombre a la cámara. Su representación es de una parábola
bíblica y representa un milagro. En esta
pintura narra la historia de la caída de Heliodoro del templo de Jerusalén, donde
unos jóvenes jinetes que visten una armadura de oro, lo golpearon y azotaron.
Así se pretende simbolizar la protección de Dios sobre la Iglesia amenazada en
su patrimonio. En el fresco se puede verse al Sumo sacerdote de Jerusalén solo,
rezando.
EL INCENDIO DE BORGO
Es el fresco mas conocido de la tercera sala y es el que da
su nombre. Representa al milagro que sucedió después de suscitarse un incendio
en la ciudad y el papa lo sofoco haciendo la señal de la cruz desde una ventana
del Vaticano, ejemplificando el poder divino obtenido atreves del pontífice.
Al fondo se ve la fachada de la antigua basílica de San
Pedro, un edificio de características clásicas que se pone en confrontación con
la arquitectura del siglo XVI y los tres ordenes clásicos.
En el primer plano se ve a dos hombres que se trataría de
Eneas con su padre Anquises. De este modo, se dice, que Rafael compara el
acontecimiento de la huida de Eneas de Troya, dotando, así al dibujo, de
movimientos.
TIZIANO
AMOR SACRO Y AMOR PROFANO
Amor sacro y amor profano (Amor sacro e amor profano, en
italiano) también llamado Venus y la doncella, es un lienzo al óleo de Tiziano,
pintado alrededor de 1515.
La tela recoge una escena con
tres figuras: dos mujeres y un niño alrededor de una fuente de piedra ricamente
decorada, situados en un paisaje iluminado por una puesta de sol. Las mujeres,
de belleza renacentista, son de similares características, habiéndose pensado
en ocasiones que se trata de la misma persona.
Representa una escena con una
doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y
siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es
posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta
sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano
derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad).2 La figura vestida sujeta en
sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad
de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo
de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica
influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio
Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial
y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.
En 1895, el crítico Wickloff
indicó que Amor sacro y amor profano está inspirado en la Argonáutica de
Valerio Flaco y plasma la escena en la que Venus persuade a Medea. Gerseffeld,
por su parte, opinó que podría tratarse de un retrato de Violante, la hija de
Palma el Viejo y amante de Tiziano, caracterizada como la diosa romana.
ISABEL DE PORTUGAL
La retratada es Isabel de
Portugal, esposa de Carlos I de España e hija del rey Manuel I de Portugal. El retrato
sigue un esquema clásico ya utilizado por Rafael o Leonardo da Vinci, en el que
la modelo se sitúa sentada, abriéndose junto a ella un ventanal en el que se
adivina un paisaje. El paisaje dota de profundidad a la composición, además de
servir como contraste cromático con la figura de la emperatriz, pues predominan
en él tonos verdosos y azulados, mientras que la escena interior está dominada
por tonos cálidos. La figura de Isabel muestra cierta rigidez, relacionada
quizá con el concepto de majestad tan utilizado en la iconografía imperial.
La figura viste un riquísimo
vestido rojo y dorado, con adornos de brocado y pedrería. Se adorna, además,
con llamativas joyas, como un collar de perlas con un broche al pecho con
piedras preciosas del que cuelga otra perla en forma de lágrima, una sortija en
la mano derecha, o un joyel rematando su tocado, un rígido peinado muy de moda
en la época compuesto por trenzas. La emperatriz sostiene un libro abierto en
su mano izquierda, quizá un misal o libro de oraciones, y mira a un punto
lejano con expresión ensimismada.
PALA PESARO
Pala Pesaro es un cuadro del pintor renacentista italiano
Tiziano. Fue realizada entre 1519 y 1526. Se trata de un óleo sobre madera de
gran tamaño, pues alcanza los 4,78 metros de alto y 2,68 m. de ancho. Se
encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia.
En el cuadro se ve a Jacopo Pesaro (en la esquina inferior
derecha), quién encargó el cuadro, y a algunos miembros de su familia siendo
presentados a la Virgen, que se encuentra sentada en un trono con el niño
Jesús. La Virgen queda a la derecha, sobre la diagonal. En el centro se
encuentra san Pedro, viéndose igualmente a los santos Francisco y Antonio. Los
santos están representados sin ninguna jerarquía, de manera muy natural.
También hay otros personajes menos importantes.
La escena se presenta en un gran edificio, lo que impide ver
el paisaje de fondo claramente. Dos grandes columnas le dan estructura vertical
a la obra. La disposición de las figuras y de sus miradas hace que no haya
equilibrio ni simetría.
El uso del color en esta obra nos muestra claramente la
teoría del color y de perspectiva; al frente, colores oscuros, mucho detalle y
personajes principales. Al fondo, colores más claros y figuras sin tanto
detalle. El uso de luz y sombra (claroscuro), también da una sensación de
profundidad. Ayuda a esta sensación el uso del sombreado en los adornos de las
columnas, así como la brillantez resaltante de algunas telas y del estandarte.
En la bandera, la insignia de los Pesaro y de la familia Borgia. Se consigue un
gran realismo.
El espacio es complejo, como sugieren las amplias columnas
(entre las cuales, dos ángeles alzan una cruz sobre una nubecilla), y los
diversos planos, las imágenes de los comitentes. La forma en que están pintados
las escaleras y columnas, y el resto del edificio, muestra el uso de la
perspectiva isométrica.
DONATTELLO
PEQUEÑO PROFETA
El Pequeño profeta es una obra atribuida a Donatello, y que
data de 1407. Es de mármol blanco y mide 128 cm de altura.
En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiore, está emparejado
con otro pequeño profeta atribuido principalmente a Nanni di Banco. No está
claro si estas dos obras son los citados en los documentos de pago de la
catedral a nombre de Donatello, con fecha de 1406 y 1408, en recompensa del
trabajo en dos estatuas de profetas. Al margen de las diferencias estilísticas
entre las dos figuras que pueden ser debidas a la inexperiencia por la juventud
del artista y por otro lado su semejanza con obras similares de Nanni di Banco.
Hoy en día, el profeta de la izquierda se atribuye generalmente a Donatello,
sobre la base de comparaciones con otras obras de esta misma época como del
David de mármol del Bargello. No tiene los atributos de un profeta, pero su
pose recuerda a uno de los ángeles anunciando.
DAVID
El David de mármol de Donatello
es una escultura de la etapa de juventud de este gran artista. Data de
1408-1409, es de mármol blanco y mide 191 de altura, con una base de 57,5 x32
cm. Se conserva en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia.
El trabajo es uno de los primeros
atribuibles con certeza a Donatello, que en ese momento, tenía poco más de
treinta años, a menudo trabajó para la Opera del Duomo de Florencia. El encargo
era para la galería del coro, una estructura octogonal, en torno al altar central,
que ahora ya no existe, fue desmantelado en el siglo XIX.
David esta representado en el
momento de la victoria e inmediatamente después de la derrota del gigante
Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies, con la piedra todavía en medio de
la frente.
Los brazos son
desproporcionadamente largos, pero ya se han incorporado elementos del
repertorio clásico, como algún detalle anatómico realista: las manos, el torso,
su cabeza coronada de amaranto (símbolo profano). La expresión del rostro es un
poco inexpresiva, pero la pose y la actitud parece expresar el orgullo de su
conciencia divina. El desplazamiento del peso sobre la pierna derecha con el
torso torcido hacia el lado opuesto, indica la intención para crear un mayor
dinamismo con el clásico contrapposto.
SAN JUAN EVANGUELISTA
San Juan Evangelista es una escultura de mármol de Donatello
(210x88x54 cm) esculpida paran la antigua fachada del Duomo de Florencia y en
la actualidad se conserva en el Museo dell'Opera del Duomo. Data de 1409-1411 y
fue el modelo más directo para el Moisés de Miguel Ángel.
La catedral encargó la estatua
del Evangelista sedente a Donatello. La serie adornaba cuatro hornacinas
dispuestas en los lados del portal central de la destruida fachada. A Donatello
se le ofreció una capilla en la catedral para esculpir su evangelista. En julio
de 1410, cerró la capilla sin haber terminado el trabajo, para cumplir con los
numerosos encargos que tenía Donatello, hasta el abril de 1415 que recibió en
su casa una notificación donde se le ordenaba completar el trabajo dentro del
mismo año, bajo una carga de 25 florines si no cumplía. El artista se dedicó a
completar el trabajo, completándolo en octubre de ese año, por lo que recibió
un pago de 160 florines.
Donatello, en esta escultura
demostró un manierismo gótico tardío, y no sólo con las referencias a la
composición de estatuas antiguas, también en la búsqueda de la expresión de una
verdadera humanidad y verdad.
Las vestiduras crean fuertes
efectos de claroscuro, con grandes pliegues, especialmente en la parte
inferior, que aumentan el sentido de los volúmenes de las extremidades. Los hombros
son curvos con los brazos inertes y abandonados, se simplifica el busto
geométricamente por medio de una línea semicircular. Fuerte énfasis le dio a
las poderosas manos, talladas con la base de un estudio cuidadoso del natural.
La cabeza, con barba y con un
espeso pelo rizado, girada hacia la derecha tiene una mirada fija e intensa,
creando una sensación de energía, que mantiene en sus mejores obras Donatello,
como la del San Marcos y San Jorge, talladas en esos años. Las cejas son
gruesas y ligeramente juntas en expresión concentrada, gran relieve tienen
también, las profundas arrugas horizontales en la frente y la boca apretada,
tal vez inspirado en una cabeza del Júpiter Capitolino.
VERROCCHINO
BAUTISMO DE CRISTO
El bautismo de Cristo es un
cuadro Andrea del Verrocchio, algunas de cuyas partes se atribuyen a Leonardo
da Vinci. Está realizado al óleo y temple sobre tabla. Mide 177 cm de alto y
171 cm de ancho. Fue pintado hacia 1475-1478, encontrándose actualmente en la
Galería de los Uffizi, Florencia (Italia). Se considera que este es el primer
trabajo importante de Leonardo da Vinci como aprendiz. Hizo la pintura junto
con su maestro Verrocchio. Para esta pintura, Verrocchio contó con la
colaboración de Botticelli y de un Leonardo adolescente.
Se le atribuyen a Leonardo todas
las partes ejecutadas al óleo. Es obra suya indiscutible el ángel que está de
perfil, abajo a la izquierda, arrodillado y recogiendo sus ropas. Se evidencia
la delicadeza de la mano de Leonardo, que ejecutó el rostro del ángel de modo
muy maduro.
También realizó algunos rizos del
otro ángel, el paisaje del fondo y retocó la faz de Cristo. En la concepción
del paisaje del Bautismo de Cristo se hace patente la observación de la
naturaleza por parte de Leonardo. Algunos autores consideran que el pájaro
también es obra suya.
El cuerpo del Bautista parece más
propio del Pollaiolo, mientras que las manos de Dios y la palmera resultan
arcaicas y cualitativamente más vulgares.
CONDOTERIO
Verrocchio se propuso realzar el
dinamismo del representado; la cabeza del caballo se orienta hacia un lado
mientras el jinete ladea la suya hacia el otro, con las piernas tensas,
mostrando en el rostro una expresión de furia, de individualismo. Quizá la
cabeza de Colleoni no posea la psicología que la del Gattamelata sí tiene, pero
aquel supera en vitalidad al representado por Donatello. La figura del caballo
sigue el modelo de los caballos de San Marcos y del de la estatua de Marco
Aurelio.1
Esta escultura se asemeja
bastante a una escultura realizada por Donatello. Sus dos obras más famosas
fueron el David y la estatua ecuestre del condottiero Gattamelata.
Andrea del Verrocchio intentó emular a su maestro haciendo una reinterpretación
de ambas obras. En 1479 fue llamado a Venecia para realizar el monumento
ecuestre de Colleoni. Tras su muerte Alessandro Leopardo fue el encargado de
fundir el caballo y de dar los últimos retoques a la obra.
LUCA DOLLA ROBBLA
LUCA DELLA ROBIA
Cantoría de la Catedral de Florencia:
Obra que se sitúa sobre la puerta de la sacristía norte de
la catedral. Aquí se representa en imágenes de la biblia, aparece escrito en
letras romanas. Las figuras en alto, medio y bajo relieve representan niños y niñas
cantando y bailando junto con amocillos. La parte superior se asemeja a los
diseños de los sarcófagos romanos, se asemejan a los diseños de los sarcófagos
romanos, compartiendo escenas en molduras rectangulares, y el conjunto queda
enmarcado por unas palabras en latín. El cuerpo superior sobresale en ménsulas
con decoración vegetal que a su vez sirven de separación de otras cuatro
molduras situadas en un plano mas profundo.
Las molduras superiores muestran niños y niñas tocando
algunos instrumentos musicales como, la trompeta. Algunos relieves muestran a
niños y niñas cantando y tocando el tambor, se podría decir que supuso una
representación bíblica. Las molduras inferiores también muestran niños bailando
y tocando algunos instrumentos, pero en el relieve lateral izquierdo se muestra
a dos niños cantando y sosteniendo un pergamino.
TONDOS DE LA CAPILLA PAZZI
Se trata de doce medallones que decoraron la capilla de
pazzi y cada uno de ellos representa a los doce apóstoles. Las pechinas también
fueron decoradas con la representación de los cuatro evangelistas, así como la
cúpula del pórtico.
La cúpula del norte muestra una decoración a base de tondos
florales formando círculos que rodean el sello de la familia Pazzi. Existe un
tondo de Santiago el Mayor con los atributos propios de santo. La escultura es
de mediano relieve y logro la nitidez de las ideas y concepciones religiosas de
ese tiempo. El color blanco de las paredes ayuda a resaltar los tondos.
PUERTA DE LA SACRSITIA NORTE
Esta composición es totalmente renacentista, ya que se
muestra el eje central de la figura del Cristo y el tratamiento que se da a las
figuras, reflejando asi la influencia de los escultures mas avanzados de su
época. En la puerta de bronce, nueve de diez son obras de della Robia, y uno representa
a San Gregorio Magno. En los paneles se representa figuras como la virgen, el
niño, los cuatro evangelistas, los cinco santos. Las figuras son de medio
relieve, realizadas en color blanco y se encuentran sobre un fondo azul, lo
cual hace resaltar la figura y su importancia
GIOVANNI BELLINI
ALEGORÍA CRISTIANA
Esta obra tiene un colorido paisaje al fondo que se muestran diversas figuras de santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro que está considerada de difícil interpretación en la cual la terraza tiene elaboradas baldosas de mármol la profundidad del paisaje se logra no tanto por la perspectiva sino por el cromatismo.
Aquí tenemos a la derecha de todo con una flecha clavada y junto a él un san Jerónimo o quizá una representación del santo Job estas dos figuras no presentan el mismo modelado que el resto en el otro lado de la balaustrada a san Pablo que se encuentra con un gran manto rojo y una espada en la mano. En la parte de la izquierda María en un trono en el extremo de este lado existe una figura con turbante que parece un añadido posterior.
SACRA CONVERSACIÓN
Es una obra de gran tamaño: mide 468 cm de alto y 255 cm de ancho todas sus figuras tienen un tamaño casi natural donde se realizó para la iglesia parroquial de San Giobbe donde estaba enmarcada en mármol esta se trata de una composición triangular con gran luminosidad y colorido.
Esta tiene como tema la "sagrada conversación" donde se trata sobre una reunión de santos en torno a la Virgen en majestad con el Niño en los brazos y rodeada de santos. A la derecha se distingue un san Sebastián y a los pies de María, delante del trono hay unos ángeles músicos.
El marco arquitectónico en el que se desarrolla es una bóveda de cañón con artesonado Al fondo hay un ábside circular.
Aquí la luz que baña el cuadro arranca reflejos dorados de los mosaicos dejando otras zonas en penumbra aunque aqui se nota la influencia de Antonello da Messina pero lo cierto es que esta típica luz de Bellini envuelve los volúmenes y humaniza la escena representada.
EL DUX LEONARDO LOREDAN
Este retrato género que en Venecia se desarrolló más tarde que en la pintura toscana o flamenca, esta obra "es el momento culminante de la evolución del retrato veneciano en el umbral del Alto Renacimiento". El retratado es el Dux de Venecia Leonardo Loredan (1436-1521), que desempeñó el cargo de 1501 al 1521 año de su muerte.
Esta se trata de un retrato oficial por lo que usa el traje de ceremonia propio del cargo: el sombrero y los botones ornamentados este pintor retrata con detalle la tela que son de seda tejida con hilo de oro, es un busto al modo de las estatuas romanas.
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